CV 

작가노트
노상준

우리는 언제부턴가 낡은 것을 버리고 새로운 것을 추구하는 것이 당연하
게 받아들여지는 생활패턴 속에서 살아가고 있는지도 모른다. 어쩌면 그
런 생각이나 삶의 태도가 사회체제를 효과적으로 돌릴 수 있는 것 같기
도 하다. 더 빠르고 더 새로운 것을 따라가며 개인이 스스로에게 부여할
수 있는 사물의 가치 보다는 공통적으로 인정되는 사물의 가치에 더 익숙
해지면서. 우리가 소소하게 느낄 수 있었던 소중한 것들의 중요성을 잃
어가는 것 같다.
기본적으로 빠르지 않은 리듬감을 가지고 살아가는 나는 현대사회의 급격
하고 역동적인 리듬에 부합되기에는 역부족이었는지 모른다.
계속되는 소외감과 고립 속에서 끊임없이 주변을 바라 보게 된다. 도시의
풍경들과 사람들의 행동패턴들…. 어떤 힘에 이끌려 사람들은 같은 행동
들을 반복하고 무엇인가를 계속적으로 추구하며 공통적인 목표에서는 비
교, 경쟁이 일어나고 서로서로에게 그런 생각들을 교육, 강요 하곤 한다.
이런 것들은 일종의 영향력을 발휘하기 위한 영역표시 같기도 하고 동시에
자신이 살아있음을 느끼기 위한 자기 확인 같기도 하다. 그 결과로 여러 가
지 부산물들이 만들어 지는데 그것은 사상이나 관습일수도 있고 도시일수
도 있고 나에겐 작업일수도 있는 것 같다. 그런 것 들이 체계화되고 우리에
게 익숙해질수록 공포로 다가오는 경우가 종종 있는 것 같다.
나는 우리의 일상에서 수단으로 이용되는 재료를 이용하여 주변의 사회현
상들이나 구조, 상황들을 조감도적인 시점으로 재조합 하는 작업들을 하
고 있다. 집단 생활에서 오는 개인의 고립과 격리에 관심이 있으며 그것들
을 은유를 통해 재인식하고자 한다.

서울에서 2010

Artist Statement
by sangjunRoh

I do not know from when our life patterns started to encompass
the idea that we needed to throw away the old and pursue the
new. Perhaps these thoughts or this way of approaching life
can meaningfully change the existing social system. However,
while pursuing the faster and the newer instead of valuing the
blessings given to each individual, and while valuing those
things commonly approached, those significant minor things
that we had felt was important, we seem to be forgetting.
For someone like me who moves to an innately slower rhythm,
it might be beyond my capacity to fit into this modern world
that moves in fits and starts and reverses gears.
From inside the continuing alienation and isolation from this
modern world, I endlessly look around. The illustration’s landscape
and human living patterns… These thoughts educate
and coerce me – what kind of strength leads people to act the
same way, to continuously pursue the same something while
being constantly compared, to continuously grasp at these
common dreams, as competition increases amongst each other?
These thoughts, on the one hand, shows the pervasive influence
of their own territory, and on the other hand, lets one
know that one is still alive. As a result, many by-products are
being created through this process - a thought, a custom, an
illustration or to me, a work of art. This process can become an
accepted formula and as we gets more familiar with it, it can
also become something increasingly dreaded.
Using ingredients from our daily life, I am working to re-create
the conditions, systems, environment, and circumstances of
this existence, with a bird’s eye view. I am interested in exploring
this isolation and segregation that comes to an individual
living the communal life, by use of the metaphor. Thereby,
I hope to bring renewed appreciation.
Seoul 2010

Resistant and Therapeutic Small Civilizations by sangjunRoh
Sang-Yong Sim (Ph.D., Art History, Art Critic)

What should we do when the awareness strikes us that the present world is undesirable to dwell in? As this has been the question of many artists and poets, so it is the question for sangjunRoh. To him this civilization is surplus and foam. It is a torrent difficult to follow, excessively dynamic, pursuing height to the extent of discouraging the climb. Without exception, the cities he has lived in instigate intense activism. Falling back in the competition is not allowed; many things including career, health and people must be well-established in one's management list; one must always be diligent, must not give up courage and faith, and all achievements must be proved as visible results.  
But for what must we become so fierce? The more ardent we are the less clear the motive becomes, and of course not even the slightest result is guaranteed. Nevertheless, people "repeat the same behavior and continue to pursue, as if they were being led by a certain force." Obsessed with following the same track, same goals, burying themselves in empty comparisons and competitions, people mobilize education, norms and institutions to persuade, inject and impose such thoughts and behaviors on each other―parents to their children, teachers to students, and friends to friends.
As they experience this process, people go into a state of mental blankness. Every moment they alienate themselves from thought, and are intoxicated by the isolation from consciousness. "People who live with a slower rhythm"―one of these people is sangjunRoh―feel intuitive discomfort with the process of increasing intoxication, and they dream of deviation. I believe this dream of deviation is the passage that leads to the civilization newly built by Roh.
sangjunRoh feels that a certain wall exists between the world and him. For him the world is maintained according to a speed he does not want to attain. That speed is a goal that cannot be supported or reached by things he has or things he can do, such as writing poetry, imagining or dreaming, taking slow walks, and listening to the birds' songs. Ultimately, by making a less-dangerous world, which produces much less isolation and fosters less alienation, Roh has chosen to resist the fast and rapid world he belongs to.
The worlds given birth by sangjunRoh's civilization are small, shabby and cheap. First of all, the material forming this civilization is nothing but old corrugated cardboard extracted from wrapping-boxes and a little bit of color pigment. The boxes are memories of the cold world he has faced; they are pieces of flesh from his beloved hometown when he was living as a stranger in England, isolated from home. They are like a skin that has covered the things from home. Of course they are by no means an appropriate choice as material for fine art in the usual sense. Lowly and flimsy, not at all elegant, they are far from the expensive professional materials manufactured or allocated especially for the sake of "art, longer than life." Furthermore, the only measure taken to elevate this world of poor material was to add painterly reality on its surface with a little bit of pigment.
Let us make it clear that this is a definite attitude. It is a reactionary position trying boldly to counter an era on a twisted axis, which has reached a point where one uses even diamonds for material. This attitude comes from accurately seeing through the delusions and sophisms of an era that believes that a greater empire is needed to cure the empire, and that things decorated with diamonds are required to deal with issues of life. It is an attitude of introspection and a reflection of the times, in which even art has (nearly) become a prop for the enticing message that expensive things are more valid in life.
Roh's attitude becomes clear not by his declarations, but by the genetics of the works themselves. If so, are they perhaps the cousin of Arte Povera, or Poor Art? They are not. While Arte Povera recurs as an art discourse, the Povera here is bounced off to an alternative life and civilization. Look: the art of sangjunRoh comes not from the material, but from the memories and experiences of life. This world, which embraces painful experiences, is constructed only with things that are trifling but warm, and inexpensive but valuable, things charged with the touch of his family. This is why a dimension of healing is added to his world, going beyond the boundary of art discourse. Megalopolises like Seoul or London ultimately drive people into their narrow rooms. The large enterprises and their products make people into meager consumers. Big things, monumental values, blown-up desires ultimately drive the subject towards alienation and total isolation. The empire, global reputation and great art only stir up desires to possess and seek revenge.
The alternative is in the small things. As the large things created isolation, the small things can restore dialogue and relations. If isolation and pain were fostered in a high-speed dash, happiness will come on a bicycle. The fact that sculpture in the true sense can come not from marble or archaic bronze, but from boxes that came over the date line is the art theory and aesthetics newly grasped by sangjunRoh, and the gateway to a new civilization.
People will look down on this small, inexpensive and unthreatening world and recover their lost sense of relief. Let us not suggest this as only an issue of viewpoint or direction of view. It is communication, the sharing of experience, and an issue of intuitive perception of the world itself. This world is not always familiar and friendly, but even the unfamiliarity approaches us not as alienation or fear, but as safe curiosity. In sangjunRoh's field on fire, no one is afraid of getting burned. The more ferocious his beasts pose to be, the tinier they seem. The rocket attached to a vertical launcher as if it were to blast off any moment is nothing but a useless object which cannot even stir up a lake reflecting the stars.
Monumental nature, permanence and fineness are values which are the most distant from this world. The world consisting of packaging boxes, a sweet night, an amusement park, a flume ride, fireworks, and an unlaunchable rocket is a proposal for a new type of civilization, which is small enough for all crises to be fully managed, always safe, and humbly allows one to look at the world without education or imposition.

노상준의 저항적이며 치유적인 작은 문명
심상용(미술사학 박사, 미술비평)

현세계가 머물고 싶지 않은 곳이라는 자각이 머리를 들 때는 어떻게 해야
하는가? 이는 많은 화가와 시인들의 질문이었던 것과 마찬가지로 노상준
의 질문이기도 하다. 그에게 이 문명은 과잉이고 거품이다. 따라잡기 어려
울 만큼 급류고 과도하게 역동적이며 오르기를 포기할 만큼 높이를 지향한
다. 그가 살아왔던 도시들은 예외 없이 고도의 행동주의를 부추긴다. 경쟁
에서 뒤쳐지는 것이 용납되어서는 안 되고, 경력, 건강, 사람들을 포함하는
많은 것들을 자신의 관리목록 안에 잘 정착시켜야 하며, 언제나 성실해야
하고, 용기와 신념을 잃지 않아야 하며, 모든 성취는 가시적인 결과로 입증
되어야만 한다.
하지만 대체 무엇을 위해 그토록 치열해져야 하는 것인가. 동기는 열을 올
릴수록 더욱 불투명해지고, 물론 어떤 최소한의 결과도 담보되지 않는다.
그럼에도 사람들은 마치 “어떤 힘에 이끌리기라도 하는 듯, 같은 행동들
을 반복하고 지속적으로 추구한다.” 동일한 트랙, 동일한 목표에 집착하
면서, 그리고 공허한 비교와 경쟁에 스스로를 함몰시키면서, 교육과 규범
과 제도를 동원해 그러한 사고와 행동을 서로에게, 부모가 아이들에게, 교
사가 학생들에게, 친구가 친구에게 설득하고 주입하고 강요하면서 그렇
게 한다.
이러한 과정을 겪어 나가는 동안 사람들은 거의 넋이 나간 상태가 된다. 순
간순간 스스로를 사유로부터 소외시키고, 의식과 고립시키는데 중독된다.
‘기본적으로 빠르지 않은 리듬감을 가지고 사는’ 부류의 사람들-그들 중
한 사람이 노상준인-은 이 점점 더 강요되는 중독의 과정에서 직관적인 불
편함을 느끼고 일탈을 꿈꾼다. 나는 이 일탈의 꿈이 노상준이 새로이 재건
한 문명 안으로 들어가는 관문일 거라 생각한다.
노상준은 자신과 세상 사이에 존재하는 어떤 벽을 느낀다. 세상은 그로선
가담하고 싶지 않은 속도에 의해 유지된다. 그 속도는 그가 가진 것들, 해
낼 수 있는 것들, 일테면 시 쓰기, 상상하거나 꿈꾸기, 느린 산책, 새들의
지저귐에 귀 기울이기 같은 것으로는 감당할 수도, 도달할 수 없는 목표
다. 결국 노상준은 훨씬 덜 고립을 생산하고, 덜 소외를 심화시키는 덜 위
험한 세계를 만듦으로써, 자신이 속한 빠르고 폭력적인 세계에 저항하는
쪽을 선택했다.
노상준의 문명이 낳은 세계들은 작고 허름하며 값싸다. 우선 이 문명을 이
루는 질료는 고작 포장 박스로부터 추출된 폐골판지와 약간의 채색안료
일 뿐이다. 포장박스는 고향으로부터 고립된 이방인이었던 영국시절, 그
가 대면했던 차가운 세계에 대한 기억이요 그리웠던 고향의 살점 같은 것
이었다. 일테면 고향으로부터 온 것들을 감쌌던 피부 같은 것이랄까. 물론
그것이 통상적 의미의 예술을 위한 재료로서 적절한 선택일 리 없다. 그것
은 세련미는 고사하고 상당히 천민적이며 견고하지도 못하다. ‘인생보다
긴 예술’을 위해 특별히 할당되거나 생산된 고가高價의 전문재료들과는 거
리가 먼 것이다. 그리고도 이 가난한 재질로 된 세계를 격상시키기 위해 취
해진 조치라곤 약간의 안료로 그것들의 표면에 회화적 사실성을 부여하는
것이 다이다.
이것은 분명 하나의 태도라는 사실을 분명히 하자. 이젠 다이아몬드까지
그 재료로 삼지 않으면 안 될 지경에 이른 이 축이 뒤틀린 시대에 정면으로
엇나가려는 반동적 입장이 그것이다. 이 태도는 제국을 치유하기 위해 더
큰 제국이 필요하다고 여기는, 그리고 삶의 문제를 다루는데 조차 다이아
몬드로 치장한 것들이 필요하다고 믿는 이 시대의 착각과 궤변을 정확하게
간파는 것에서 비롯되는 것이다. 예술조차 값비싼 것들이 삶에도 더 유효
하다는 감언이설의 소도구가 (거의)되어버린 시대에 대한 반성과 성찰을
동반하는 태도인 것이다.
노상준의 태도는 그의 선언들이 아니라 작품 자체의 유전형질에 의해 분명
한 것이 된다. 그렇다면 아르테 포베라Arte Povera, 또는 가난한 미술Poor Art
의 이웃사촌쯤 되는 것인가? 그렇지 않다. 아르테 포베라의 포베라가 예술
담론으로 재귀하는 반면, 여기서의 포베라는 대안적인 삶과 문명으로 튕
겨져 나가기 때문이다. 보라. 노상준의 예술은 질료로부터 온 것이 아니라,
삶의 기억과 경험으로부터 온 것들로 구성된다. 그 안에 아픈 경험을 끌어
안고 있는 이 세계는 가족의 손길이 배어있는 보잘것없지만 따듯한, 값나
가진 않지만 가치로운 것으로만 건설된다. 그의 세계에 예술담론의 울타
리를 넘어 치유적 차원이 가미되는 이유가 여기에 있다. 서울이나 런던 같
은 대도시는 결국 사람들을 자신들의 쪽방으로 몰아갈 뿐이다. 대기업과
그 산물들은 사람들을 왜소한 소비자로 만든다. 큰 것들, 기념비적인 가치
들, 부풀려진 욕망은 결국 주체를 소외와 고립무원으로 몰아가고 만다. 제
국, 세계적인 명성, 위대한 예술은 소유욕과 복수심을 부추길 뿐이다.
대안은 작은 것들에 있다. 큰 것들이 고립을 낳았던 만큼, 작은 것들은 대
화와 관계를 복원시킬 수 있다. 고독과 고통이 질주 속에서 양산됐다면, 행
복은 자전거를 타고 온다. 진정한 의미의 조각은 대리석이나 고풍스러운
브론즈로부터가 아니라 날짜분계선을 넘어온 포장박스로부터 가능하다
는 사실, 그것이 노상준이 새롭게 붙잡았던 예술론이자 미학이며, 새로운
문명으로 나아가는 관문이기도 한 것이다.
사람들은 이 작고 저렴하며 위협적이지 않은 세상을 내려다보면서 망각했
던 안도감을 회복할 것이다. 이를 단지 시점이나 시선의 문제로만 함축하
지는 말자. 이는 소통, 곧 경험의 공유인 동시에, 세계 자체에 대한 직관적
인식의 문제다. 이 세계가 언제나 낯익고 친숙한 것은 아니지만, 그 낯섬
조차 소외나 두려움이 아니라 안전한 호기심으로 다가온다. 노상준의 불
붙은 벌판에선 누구도 화상火傷을 두려워하지 않는다. 그의 맹수들은 사나
운 척할수록 더 앙징맞다. 곧 발사될 듯 수직발사대에 장착된 로케트는 별
을 반사해내는 호수조차 교란시킬 수 없는 쓰잘 것이라곤 없는 물건에 불
과하다.
기념비성, 항구성, 명품은 이 세계와 가장 거리가 먼 가치들이다. 포장박
스, 감미로운 밤, 놀이동산, 플름라이드Flum Ride, 불꽃놀이, 발사되지 않는
로켓트로 구성된 이 세계는 하나의 문명, 곧 작기 때문에 위기들이 충분히
관리되고, 언제나 안전이 확보되며, 학습이나 강요 없이 세계를 조망하는
것을 겸허하게 허용하는 새로운 유형의 문명에 대한 제안이다.

An Uncomfortable Reality To Be Shared
by June Won Seo (Nimbuschair Integral Humanities)

An Uncomfortable Reality To Be Shared
by June Won Seo (Nimbuschair Integral Humanities)
Is absurdity a deceptive trick or a methodology to illuminate unprecedented realities? Many people would at first feel lost in the odds, and so expressing, of Samuel Beckett’s Waiting for Godo or Peter Handke’s Offending the Audience and Other Spoken Plays, but gradually find the discrepancy between what happen in the dramas and the commonly accepted reality pleasantly intriguing. In their normal lives out of the theatre, they realise that the absurdities in the fictions exist as the undeniable reality and the dramas are no comedies as such. Everyone was born to live in an illusion different from others. That we cannot rule out the pervasive reality, say, shared by all people is because the commonalities have been brought about from the similar mechanism shared by the majority for producing imaginations and groundless beliefs. Although “absurdity” is not a term conventionally applied to artworks, people would experience similar abruptions at Rene Magritte’s or Salvador Dali’s, so to speak, surrealism works. People may become tired of the unchanging actualities like they are fed up with putting on the same clothes everyday, so may well be an artist. For artists, however, there are more desperate reasons to produce a work such as that than just they are bored. We enjoy characterizing artworks as “the mirror of society”, nevertheless the more central peculiarity of art lies in its exploration of unknown realities. Any discrepancy or perversion will be granted as long as it can expand or rectify our imaginations for reality. And therefore, artists are meant to be concerned with unprecedented perspectives and veiled realities, those not yet shared and not yet illuminated.
In this sense, sangjunRoh is an artist knocking on the center of art. The imagination embedded in his works diametrically reverses the common world that has been resulted from our view to reality. What is noteworthy is the fact that his works are more symbolic and expository than visually appealing to emotions. Roh seems to have envisaged a certain metaphysical skepticism about the commonly accepted identities of objects and examined the absoluteness of the prevalent demarcations conventionally set between the objects. The red carpet on the courtyard is a good example of such cases. Carpet, which used to be a minor object in a picture and thus easily neglected by viewers, appears as the main symbolic object in the scene and it expands the identity of the original space, the indoor, by spreading itself out in outdoor areas. On the other hand, In the Upset, the people, peacefully enjoying a riverside park, are surrounded by flames and they are conceived by the artist as enjoying an upset situation. As apparent in his most recent works, the objects he employs in his works are of minor visual significances. His concern is rather the way of objects to exist and the value system confined to the solidity of the convention agreed and observed by the mass. At least within the framework for reality that he seems to suggest, the discrepant combinations of objects and values are of no abrupt matches. What he signifies rather bounces up from the visual confinement of objects and the related imageries and Ro seems to position himself somewhere beyond the differences of the values to realize that the human passion seeking for the positives, if not happiness, is an absurd play.
Funfair is the most frequent motif noticed in Roh’s works, so has the artist entitled his latest oeuvre. Involuntarily viewers are invited to a funfair, which is the world inside which Roh attempts to candidly reveal the reality. Philosophers of the twentieth century explored the inability of human consciousness to discern fantasy from reality, so to speak ‘hyperreality.’ The theorists use Disneyland as an example, the same medium through which Roh unfolds a hyperreality of different trait. A funfair consists of many diverse devices to give pleasant and fantasitcal feelings to visitors. People are supposed to be greatly determined and agitated to enjoy themselves as well as to promote other people’s blissfulness through accepting the fantasy it offers as reality; however in Roh’s funfair the visitors are exposed to truer realities than the real, and thus suggested to view the solid actuality of life. His funfair is a festival immersed with sorrow, contrary to people’s expectations from a funfair, and working as a metaphor negatively illuminating the fantastic mirage in the real life outside the funfair that people have believed as reality.
Roh’s metaphor concentrates on the uncomfortable reality and the piteous bliss of people. People think they can travel far and have liberated feelings by driving a car, but in Drive, the cars are shackled and turn around the small same circle. The bikers are the same in Riders. In Holiday, people should be thinking that they have found a cozy and serene rest away from the bustle of the city, but, when viewed from the above, they are a crowded and packed whole. Other works show a boat which has lost its way in the cascade (Pirate), a four-wheeler which has no road to run on but only surrounded by cliffs and waters (voyage), and a hospital which patients will never be able to reach, even by a helicopter, as there is no entrance to the building from the roof (hospital). In Roh’s world, all vehicles; cars, bikes, boats, four-wheelers and helicopters, cannot transport people, but only make people immobile. The absurdity Roh uses in his works culminates in Lighthouse, where the boats, abandoning, or forgetting, their itinerary, sail to the light, in reality, unreachable by boat as the lighthouse is standing on the ground. People seek of bliss but they are entrapped in the disabled reality. The happiness they feel through owning the means of transportation and the freedom to travel are lamentably a piteous fantasies.
People live in a fantasy. Roh is an artist who is watching the bliss and the sorrow without having himself indulged in the same fantasy; but watching them in one of his own. To discern fantasy from reality may seem only to reveal the uncomfortable actualities that people do not want to accept as the reality. This is why his works keep serious viewers intrigued as much as the same people have been interested in the absurdity literature and surrealism artworks. 

공유되어야 하는 불편한 진실
서준원 (NIMBUSCHAIR Integral Humanities)

부조리는 속임수 섞인 장난인가, 아니면 존재한 적이 없는 현실을 비춰주
는 방법론인가? 많은 사람들은 사무엘 베케트의 < 고도를 기다리며 Waiting
for Godo >나 페터 한트케의 < 관객모독 Offending the Audience and
Other SpokenPlays >과 같은 작품들이 주는 기이한 느낌에 당혹감을 느끼고
그런 느낌을 노골적으로 표현하지만, 서서히 “연극에서 일어나는 사건”과 “보편
적인 현실”사이의 괴리에 즐거움과 흥미를 느끼게 된다. 이후 극장 바깥의
평범한 현실로 돌아온 그들은 허구의 이야기에서 나온 부조리적인 구조들
이 평범한 일상 속에서 거부할 수 없는 현실로 존재하고 있음을 깨닫게 되
며 그 연극들이 단순히 코미디가 아니었다는 것을 깨닫게 된다.
사람들은 누구나 자신만의 환상 속에서 살도록 되어있다. 모든 사람들이
공유하고 있는 소위 “보편적인 현실”이 현실적으로 완전히 배제될 수 없
는 이유는 환상을 인식하는 방법이나 근거 없는 믿음을 만들어내는 기전
을 대다수 사람들이 공유하고 있기 때문이다. ‘부조리’는 통상적으로 예
술 작품에 사용하는 용어는 아니지만 사람들은 르네 마그리트Rene Magritte
의 작품들이나, 혹은 살바도르 달리Salvador Dali의 작품들 같은 초현실주의
Surrealism 작품에서 유사한 당혹감을 경험한다. 사람들은 변화 없는 현실
에 지루함을 느끼게 된다. 이것은 매일 같은 옷을 입는 것에 지루함을 느
끼는 것과 다를 바 없으며 이 점에 있어서 예술가들도 마찬가지 이다. 하지
만 예술가들이 그러한 작품을 만들어내는 데에는 그냥 지루하다는 것 이상
의 좀 더 절박한 이유가 있다. 우리는 예술작품을 ‘사회를 반영하는 거울’
이라고 성격규정하기를 편리해 하지만, 예술작품이 갖는 좀 더 핵심적인
본질은 알려지지 않은 현실들에 대한 탐구이다. 어떠한 불일치나 왜곡일
지라도 이를 통해 현실에 대한 우리의 상상력을 확장시키고 또한 교정시
킬 수 있다면 허용될 수 있는 것이다. 사실 그래서 예술가란 이제까지 공
유되거나 채용되어 본 적이 없는 새로운 관점과 가려진 현실에 관심을 갖
는 사람들이다.
이러한 의미에서 노상준은 예술의 본질을 추구하고 있는 아티스트라고 할
수 있다. 그의 작품들의 근저에 놓여 있는 상상력은 우리들이 가진 관점에
서 기인한 현실세계를 정반대로 뒤집는다. 주목할만한 점은 그의 작품이
시각적으로 감정에 호소하기 보다는 보다 상징적이며 기술적이라는 점이
다. 노상준은 통상적으로 받아들여지는 존재물들의 정체성에 관하여 형
이상학적인 회의를 마음에 품은 듯하게 관습적으로 사물들 사이에 부여
된 경계가 가지는 절대성을 시험한다. 광장에 깔린 붉은 양탄자Carpet/ The Art School >(2005)는 이러한 사례의 좋은 예이다. 종종 그
림 속에서 부수적인 오브제로 다루어져 관람객들의 시선을 끌지 못했던 양
탄자는 이 풍경에서 중요한 상징적 주체로 등장한다. 양탄자가 외부공간
으로 펼쳐짐으로써 자신이 깔려있었던 “실내”라는 본래의 공간이 가지는
정체성을 외부로 확장시킨다. 한편, (2005)에서 작가는 공원에
서 평화로운 시간을 보내고 있는 사람이 화염에 둘러 싸여진 난감한 상황
을 즐기고 있는 것으로 이해한다. 노상준의 최근 작품에서 명확한 것은 그
가 채용하고 있는 대상들이 가지는 시각적 의미는 부차적이라는 점이다.
그는 다수에 의해 동의되고 지켜지는 관습의 견고함에 의해 제한 된 그 사
물들의 생존방식에 관심을 갖는다. 적어도 그가 제시하고 있는 현실세계 의
 구조 속에서는 대상과 가치 사이의 모순되어 보이는 조합이 당혹스런
연결은 아니다. 그가 의미하는 바는 사물이 가지는 시각적 한계와 그 사물
에 연관된 관념의 견고함을 가볍게 뛰어 넘는 것이며, 작가 자신은 스스로
를 그러한 가치들의 차별성을 넘어선 어느 지점에 위치시키면서 행복과 같
은 어떤 긍정적인 것을 추구하는 인간의 열정이 부조리 극에 불과함을 깨
달아 가고 있는 듯하다.
대공원은 노상준이 작업에서 자주 주목하는 주제인데, 자신의 최근 전시
< 이동유원지_Giant Funfair >(2010)에 이 제목을 붙였다. 그는 현실을 적
나라하게 드러내는 놀이공원의 세계로 관람객들을 초대한다. 20세기 철
학자들은 이상과 현실을 구분하지 못하는 인간의 의식을 탐구했는데 이것
이 바로 초현실hyper-reality이다. 이들은 디즈니랜드를 자신들의 이론에서
예증으로 사용하는데, 노상준의 초현실이 그들의 이론과 일치하는 것은
아니지만, 작가가 자신만의 어떤 현실을 보여주기 위해 사용하는 소재와
동일한 것이다. 놀이공원은 방문객들에게 즐겁고 환상적인 느낌을 불러일
으키는 여러 기구들로 가득 차 있다. 사람들은 이러한 기구들이 제공하는
환상을 현실처럼 받아들임으로써 스스로가 즐거움을 느끼거나 다른 사람
들의 즐거움을 자극하곤 한다. 그러나 노상준의 놀이공원에서는 방문객들
이 현실보다도 더욱 사실적인 현실에 노출되며 삶의 견고한 진실을 바라보
게 된다. 그의 놀이공원은 우리가 흔히 놀이공원에서 기대하는 것과는 정
반대로 슬픔이 깃든 축제이다. 이는 우리가 현실이라 믿는 놀이공원의 외
부에 존재하는, 실재하는 삶의 환상적인 신기루를 거꾸로 조명하는 은유
로서 작용한다.
노상준의 은유는 사람들이 경험하고 있는 불편한 현실과 애처로운 즐거움
에 집중한다. 사람들은 차를 운전해 멀리까지 여행할 수 있고 완벽한 해방
감을 얻을 수 있다고 생각하지만, 그의 작품 (2010)에서 보이는
차들은 철재로 묶여져서 동일한 작은 원형의 노선을 반복해서 돈다.
(2009)에서 오토바이를 타고 달리는 사람들도 마찬가지이다.
(2009)와 같은 작품에서 사람들은 도시의 번잡스러움을 떠나 안락
하고 차분한 장소를 어렵게 찾아 휴식을 즐기고 있다고 생각한다. 그러나
위에서 바라 본 이 광경은 혼잡하고 답답한 덩어리일 뿐이다. 그의 작품은
또한 폭포처럼 쏟아지는 물에 갈 곳을 잃은 해적선 (2009), 절벽
과 강으로 사이에 갇혀 한 발짝도 움직일 수 없는 사륜구동자동차
(2009), 환자들이 들어갈 수 없는, 옥상에 출입구가 없어서 헬기를
이용하더라도 환자들이 접근할 수 없는, 종합병원 (2009)등
을 보여준다. 노상준의 세계에서 자동차, 오토바이, 선박, 지프, 헬기 등 모
든 교통수단은 사람들의 이동을 위한 것이 아니라 이들을 옴짝달싹 못하게
하는 것이다. 노상준이 사용하는 이러한 부조리는 (2009)
에서 절정을 이룬다. 작품에서 배들은 자신들의 항해를 잊어버린 듯, 혹은
포기한 듯, 등대의 빛을 향해 돌진하는데, 실제로 등대는 육지에 세워져 있
어서 배로는 도착할 수가 없다. 등대는 목적지로 향하는 길을 비추는 것이
지 절대 목적지가 될 수는 없는 것이다. 사람들은 즐거움을 추구하지만 비
정상적인 현실에 갇혀있다. 교통수단을 소유함으로써 우리가 느끼게 되는
행복과 여행의 자유는 애석하게도 애처로운 환상에 불과하다.
사람들은 환상 속에 살고 있다. 노상준은 일반인들이 빠져 있는 환상에 함
께 빠져들지 않은 채 인간의 즐거움과 슬픔을 관조하는, 하지만 그 또한 자
신의 환상 속에서 이들을 관조하게 마련인, 예술가이자 인간이다. 환상과
현실을 구분하는 것은 아마도 우리가 결코 현실로서 인정하고 싶지 않은
불편한 사실을 드러내는 일일지도 모른다. 이것이 바로 그의 작품들이 부
조리문학이나 초현실주의 미술이 그랬던 것처럼 진지한 관람객들을 지속
적으로 매료시킬 수 있는 이유이다.

창조성에 대하여_창조성은 왜 소년다움으로 표상되는가
On Creativity
정재임

[사진_1 왼쪽으로:　노상준, Installation View, Giant Funfair, Gallery Factory, 2010]
시각예술에서 전문화란 시각적인 지각과 상상력이라는 능력을 특정하게 훈련 및 발 달시키는 것을 의미했다. 그러한 능력을 어떻게 훈련시킬까 하는 것이 바로 미술 교육의 문제였다. ... 이러한 지각과 상상력이라는 두 능력이 결합된 선천적 능력을 가리키는 가장 현대적인 용어가 바로 ‘창조성’이었다. 창조성은 모든 사람에게 주어 진 것이며, 선천적으로 타고난 상태에 가까울수록 잠재력이 크다. 어린아이나 원시 인은 교양인보다 더 많은 창조성을 지닌다. (각주1: Thierry de Duve, ‘형식이 태 도가 되었을 때 - 그리고 그 너머’, 1985년도 이후의 현대미술이론, 2010, 25)
현재 갤러리 팩토리에서 전시되고 있는 노상준 개인전 《이동유원지Giant Funfair》는 위의 설명을 조금도 빗겨나는 점이 없다. 그리고 내가 말하려는 그 소년다운 점이, 그만의 독창성을 드러내고 있는 그만의 원천이라는 점도 그렇다. 이 내부에는 현재 작가의 작업에서 투영되는 현실사회의 극적인 문제, 예를 들어 집단과 개인간에 일어나는 괴리와, 그 안에서의 사회화 과정(교육)에 대한 비판은 어린아이가 점차적으로 나이가 들어가면서 결국 퇴색되어 버리는 현상과도 동일하다. 그가 첫 번째 보물이라면 건네준 카레이드스코프는 그가 왜 동화=유원지=환상=푸른색이라는 연관 고리가 작품전반에 공통적으로 나타나고 있는지 역시 이야기 할 수 있을 것 이다.
2008년 노상준은 영은 미술관의 전시 《Emotional Factor+y》에서 세 개의 설치물만으로 백색의 전시공간을 구성하였다. < Basic Principle of Motion >이라는 제목의 작품은 인간 행동의 기본적 원칙이란 무엇인지에 대한 의문을 제기한다. [사진２: 노상준, Basic Principle of Motion, Mixed Media Installation, 2005-2008]
이 작품에서 작가는 인간의 동일한 행동 ‘패턴’과 그것을 강요하는 ‘사회’를 이야기한다. (각주2: 기본적으로 빠르지 않은 리듬감을 가지고 살아가는 나에겐 현대사회의 급격하고 역동적인 리듬에 부합되기에는 역부족이었는지 모른다. 계속되는 소외감과 고립 속에서 끊임없이 주변을 바라보게 된다. 도시의 풍경들과 사람들의 행동패턴들……. 어떤 힘에 이끌려 사람들은 같은 행동들을 반복하고 무엇인가를 계속적으로 추구하며 공통적인 목표에서는 비교, 경쟁일 일어나고 서로서로에게 그런 생각들을 교육, 강요 하곤 한다. 이런 것들은 일종의 영향력을 발휘하기 위한 영역표시 같기도 하고 동시에 자신이 살아있음을 느끼기 위한 자기 확인 같기도 하다. 그 결과로 여러 가지 부산물들이 만들어 지는데 그것은 사상이나 관습일수도 있고 도시일수도 있고 나에겐 작업일수도 있는 것 같다. 그런 것 들이 체계화 되고 우리에게 익숙해질수록 공포로 다가오는 경우가 종종 있는 것 같다. 노상준 작가노트, 2010 발췌)
< Basic Principle of Motion-Rainbow, 2008 > [사진３　노상준, Basic Principle of Motion_Rainbow, Mixed Media Installation, 2008]는 빨주노초파남보로 대변되는 현대의 교육 방식을 단적으로 보여주는 실례이다. 시각 스펙트럼에서 우리가 볼 수 있는 일천만개의 색을 뒤로 하고, 단순히 7개로 표현해 버리는 인식의 학습 방식을 그는 깨짐주의(Fragile)라고 씌어있는 테이프로 우습게 묶어 그것을 천장에 붙여 둠으로써 의도치 않게 우리가 그것을 위로 올려다 보게 한다. 현대의 반복적 학습의 과정은 대상을 정형화 시키고 그것을 습관적으로 인지하게 하며, 결국 그것이 진실이라고 믿게 하는 일련의 종교 활동이다.
[사진4: 노상준, Basic Principle of Motion_Horizon, Mixed Media Installation, 2008]
[사진5: 노상준, Basic Principle of Motion_Qubic Puzzle(Education), Video, 2005]
전시공간의 두 번째 작품은 일상적 연필 하나로 미술관 전체의 네모난 벽면을 둘러싸는 선을 그린 < Basic Principle of Motion-Horizon >이다. 평행하고자 하면 할수록 어긋나 버리는 선의 모습에서 모든 것을 획일화 시키려는 노력의 불 가결성을 볼 수 있다. 완성은 가장 마지막의 < Basic Principle of Motion-Qubic Puzzle(Education), 2008 >로 명명한 교육 그 자체가 된다. 몸을 깊게 웅크려야 볼 수 있는 전시장 가장 바닥에 위치한 20cm 정도 되는 작은 영상은, 우리가 흔히 볼 수 있는 6개의 색면으로 분할된 큐빅 퍼즐이 아닌, 온통 검은색만으로 이루어진 큐빅 퍼즐이다. 무의미한 반복과 획일화된 교육의 과정은 쳇바퀴 돌 듯 같은 반복만을 기계적으로 수행하고 있다.
그리고 2010년 《이동 유원지》 전에서 선보인 작가의 작업은, 유학시설 집으로부터 배달 되어 온 소포박스로부터 시작된다. 가족에 대한 그리움의 향수는 나 아닌 다른 누군가가 시도하지 못한 방식에 대한 그만의 내용과 형식이 완성된다. 조각의 카드보드지는 아주 작은 형태까지 채색되어 붙여지고, 호랑이, 놀이기구, 비행기 등의 형태를 이룬다. 단순히 작은 크기의 사람까지 채색하여 형태를 만들어낸 그 장인적 방식이 매우 노동집약적이고 많은 절대적 시간을 요구하는 일이란 것을 떠나, 그는 스스로 그만의 방법을 찾아 작업하고 있다는 것을 깨달았다. 같은 무언가를 이야기 하고 있음에도, 나만이 할 수 있는 무언가를 발견했다는 것은, 그리고 그 방식이 특수한 나만의 것으로 기능하고 있음은 아주 드문 매우 특별한 상황이었다.
창의성에 대해 이야기 할 때 우리는 어린아이들이 무언가 배우는 순간을 본다. 이때의 배움은 교육적 목적으로 가르치는 학습이 아닌, 인지의 과정이다. 아이는 모든 신경과 관심을 오직 그 하나-예를 들면 걷는 것-에 쏟고 있다. 그럴 때에만 무언가 다르고, 새로운 것이 나타난다는 것은 당연하다.
봄(Bohm)은 창의에 관한 그의 논저에서 배움 그 자체를 좋아하는 것에 대해 말한다. 그리고 자라면서 마치 잃어버린 파라다이스로서 어린 시절을 회상한다. 배움이 점점 더 제한적이 되고 그 목적이 쇠퇴하면서, 점차적으로 궁극적인 무언가가 자라날 수 있는 공간은 사라지게 되는 것이다.(각주 3: David Bohm, On creativity, London; New York: Routledge, 2004, c1996) 마치 어린아이의 그것을 이야기 하듯, 우리는 어린아이의 시각으로 무언가 볼 것을 요구한다. 마치 꿈에서 본 동화의 한 장면처럼 그는 어린아이의 눈으로 세상을 본다. 노상준이 보는 세계는 어린아이의 것처럼 단순하며, 아름답다. 그러나 그 내면에는 그가 제한적으로 느끼는 진짜 세계에 대한 규제가 담긴다. 어린아이의 모빌처럼 보이는 비행기들은 순진하게 놓인 파랑, 노랑의 비행기가 아니며(2차 세계 대전 당시 비행기를 만들 수 있었던 7개의 국가-이탈리아, 프랑스, 일본, 독일, 영국, 소련, 미국을 상징한다) 그가 묘사한 수십 떼의 말은 중앙을 동심원으로 그리며 끊임없이 같은 방향으로 회전한다. 그는 팩토리의 전시에서 마치 그것이 자동적으로 돌고 있는 것처럼 느껴지도록 원형의 선반을 공중에 매달았다. [사진 6: Installation View, Giant Funfair, Gallery Factory, Seoul, 2010]
그의 작업은 비평의 작업을 하는 나에게도 일련의 울림을 준다. 즉, 매끈하고 개념적인 방식의 미술에 감화되던 나에게, 그렇다면 과연 ‘어떠한 비평을 할 것인가’라는 물음을 일깨워 주었기 때문이다. c가 아닌 대문자 C로 시작되는 개념미술이라고 불리는 그 자체가 서구의 이념과 시작을 그대로 받아들이고 있다면, 미술의 형식뿐이 아닌 그 뒤의 이론 역시 서구의 개념 그대로라면, 그 안에서의 새로움 그 자체는 존재하지 않는다. 창조라고 불리는 새로움은 그 어디에도 존재하지 않는 것이다. 즉, 우리의 이론의 서구에서 수입된 이론서와 업데이트된 이론을 지속적으로 받아들이고 있다면, 그 안에서 활발히 논의하는 것이 너무나 무방비한 상태로 노출되어 있음을 우리는 견지해야 한다.
내가 본 그 작업이 어딘가 매끈하고 세계적으로 매우 쉽게 용인되는 형태라면, 그것 역시 세계시장에서 통용되는 국제적 미술로 보여 지는 것이 아니라, 그 형식이 어디서부터 빌려온 것인지, 차용된 것인지를 유의해야 한다는 것이다. 그 작가의 작업이 미술사의 누군가와 비슷하다 라고 느껴지는 그 순간, 아무리 현대의 모든 것들을 전유와 차용이라는 단어로 포장한다고 할지라도 20년이 지난 후 그 작업이 얼마나 독창적인 작업으로 기록될 지는 두고 보아야 할 것이다